martes, 24 de septiembre de 2013

EL BARBERO QUE SE RIÓ DE UN EMPERADOR


¡Hola a Todos! En la entrada de hoy hablaremos sobre una de las películas más famosas de la historia, El Gran Dictador de Charles Chaplin. Considerada película de culto por la gran mayoría de la crítica y alabada por el público en general, la cinta nos narra dos historia que se entrelazan. Por un lado la de un dictador despiadado con ansias de conquistar el mundo y por otra la de un barbero judío.

Ambos papeles estan protagonizados por Charles Chaplin, quien también fue el director, productor y guionista de la película. Un dato importante y a tener en cuenta es que esta es la primera pelicula sonora del artista, pues siempre se mantuvo fiel al cine mudo, siendo el único artista que seguía usando los mismos preceptos en una época de grandes avances cinematográficos.

La película es genial, con un gran argumento, unos personajes inolvidables y sobre todo una gran crítica contra la guerra y contra los totolitarismos. Tal vez una de las partes más recordadas sea el discurso final, cargado de gran emoción en dónde Chaplin expresa su deseo de paz, de fin de las guerras y sobre todo su crítica contra el nacismo. Denomina a los nazis como "hombres-máquinas, con cerebros y corazones de máquinas". Nos podríamos pasar todo el día analizando la película, pero en esta entrada iremos a lo que se esconde tras ella, sucesos que casi consiguen que no se pudiera llevar a cabo.

Para empezar, un poco de historia. Esta pelicula fue estrenada en Estados Unidos en 1940, la 2º Guerra Mundial duró desde 1939 hasta 1945, y un dato importante es el bombardeo de Pearl Harbour que marcó el ingreso de EEUU dentro del conflicto ocurrido en 1941. Por lo tanto, cuando comenzó la guerra, Estados Unidos aún permanecía neutral y esta película fue estrenada un año antes de su entrada en el conflicto.


El rodaje comenzó tan sólo 8 días después de la invasión de Polonia por parte de los nazis. Aunque ahora parezca sorprendente y los propios americanos lo desmientan, en los primeros años de la contienda, el gobierno no sabía de que lado situarse y hubo un momento que la mayoría del senado optaba por ponerse de parte de las potencias del eje y apoyar los fascismos y el nacismo. Para ello, se mantuvieron cautelosos en la propaganda y en las películas que salían de su país y que se exportaban al exterior.

Buscaban no transmitir ningún tipo de mensaje de apoyo, ni para el bando de los aliados ni para el de las potencias del eje. No querían posicionarse en un conflicto que parecía tan lejano. Por ello, la productora de Chaplin, United Artist, lo instó a que no realizara la película, pues, como todos sabemos, tiene un claro discurso contra el nazismo. Sin emabrgo, también la embajada alemana en EEUU le pidió que no la rodase.

Enfrentándose a amenzas de boicot, Chaplin decidió rodar la película en un momento en el que la política estadounidense era neutral y se "desalentaban" producciones antihitlerianas. Sin embargo, tras su estreno fue una de las películas más rentables dentro del periodo de guerra. En algunos paises tuvimos que esperar a ver su estreno, como por ejemplo en España, que no se estrenó hasta 1976.

Algunas curiosidades relacionadas con este tema son por ejemplo que:

- En Alemania la pelicula estaba prohibida, pero pertenecía a la videoteca personal de Hitler, situándose entre una de sus favoritas.
- Años después del estreno, Chaplin dijo que si hubiese sido consciente del horror que supondría la Segunda Guerra Mundial y la crueldad con la que los nazis aplicaron sus brutales teorías racistas, no habría realizado la película.
- El presidente Franklin D. Roosvelt animó al director a seguir con el rodaje cuando muchos le animaban a no grabar la cinta.
- Por esta película y por sus ideas, Chaplin sería perseguido por el Comité de Actividades Antiestadounidenses, teniendo que exiliarse de Estados Unidos.

Así que ya sabeis, cuando veáis esta gran película, pensad en todo lo que significó su rodaje y todos lo percances a los que se tuvo que imponer su director. ¡Espero que os haya gustado! Me despido poniendoos el enlace a el discurso final de la película, un discurso que aún hoy en día sigue vigente.


Álvaro Sánchez Lamadrid.

sábado, 14 de septiembre de 2013

DISECCIONES ARTISTICAS

¡Hola a todos! Hoy os traigo un pequeño dato curioso que he visto por la web esta semana relacionado con el arte.

 Este año, la agencia de publicidad DDP de Brasil creó para la Escuela de Bellas Artes MAPS de Sao Paulo de Brasil una ingeniosa campaña en la que se nos muestra el "interior" de los conocidos artistas Dalí, Van Gogh y Picasso.

Lo que a mi me llamó la atención es cómo se ha sabido captar la esencia de cada artista para recrear su propio yo interior, de tal manera que cada uno es una muestra de su propio arte. Por tanto, os dejo aquí los carteles de tres de los más famosos pintores del mundo.

Vincent Van Gogh (1853 - 1890)

Pablo Picasso (1881 - 1973)

Salvador Dalí (1904 - 1989)

¿Qué os parece? A mi me gusta la idea y cada uno refleja muy bien sus correspondientes movimientos artisticos. Tal vez el menos conseguido es Picasso, aunque el cubismo es el cubismo. ¡Espero que os haya gustado!

Álvaro Sánchez Lamadrid




miércoles, 11 de septiembre de 2013

UN NUEVO VAN GOGH

¡Hola a todos! Este Lunes se ha producido uno de esos grandes momentos que marcan un hito en la historia del arte y es que el museo Van Gogh de Ámsterdam ha anunciado a bombo y platillo el descubrimiento de uno de los últimos lienzos pintados por el autor holandés Vincent Van Gogh. Por ello, aquí en El Desván de la Cultura os contaremos las claves de este decubrimiento.

"Puesta de Sol en Montmajour", Vincent Van Gogh, 1888
Para empezar hablemos un poco de la historia de este cuadro. En 1890 Van Gogh muere y la gran mayoría de sus obras pasan a manos de su hermano Theo. Esta pintura en concreto, figuraba dentro del catálogo de obras que tenía el año de la muerte de Van Gogh y también figura su venta a un personaje desconocido en 1901. 

En 1908 volvemos a tener noticias del cuadro ya que lo ha adquirido un importante empresario noruego, Christian Nicolai Mustad. Aconsejado por Jens Thiis, director de la Galería Nacional de Oslo hasta 1941, compró el lienzo atribuido a Vincent Van Gogh, quien durante esos años ya comenzaba a tener fama. Sin embargo, cuando pidió su opinión al embajador francés en Suecia, éste le dijo que era falso. Otros, en cambio, argumentan que el diplomático en cuestión era el cónsul noruego en París, Auguste Pellerin. Fuera como fuese, Mustad escondió el cuadro en su ático al ser un cuadro sin ningún valor.

A la muerte de éste en 1970, sus herederos encontraron el cuadro y pidieron a una serie de expertos que validaran el cuadro, entre ellos el mísmisimo Museo Van Gogh de Amsterdam, quién lo descartó como obra no legítima de Van Gogh, ya que no estaba firmada.

Con el desarrollo de nuevas técnicas, se ha demostrado que la pintura es auténtica. Para ello una investigación iniciada por el Museo Van Gogh y que ha durado dos años ha aceptado la pintura basándose en estos aspectos:

1. Se descubrió que se ha pintado en la misma gama de pinturas que aparecen en las obras de Van Gogh en ese período.
2. Las formas y el tratamiento de los árboles es similar al de todos los cuadros del autor.
3. La evidencia que confirma la autenticidad de la pintura era una carta escrita por Vincent van Gogh a su hermano Theo el 5 de julio 1888, que describe el cuadro que había pintado el día anterior:

 "Ayer, al atardecer, yo estaba en un brezal pedregoso donde crecen muy pequeños y retorcidos robles, en el fondo de una ruina en la colina, y campos de trigo en el valle. Era romántico, no podía ser más, a la Monticelli , el sol se derramaba sus rayos amarillos muy por encima de los arbustos y el suelo, absolutamente una lluvia de oro".

Con todas estas pruebas el Museo Van Gogh mostró al publico el pasado Lunes 9 de Septiembre esta obra. En palabras de su director, Alex Rüger, lo calificó como "un acontecimiento único en la historia del museo".

Personalmente comprendo porqué se mostraban tan excepticos los antiguos tasadores, pues el tratamiento del cielo y de la puesta del sol, no se parecen a nada de la obra de Van Gogh. Yo mismo haré una búsqueda y un análisis pues aún no estoy al 100 % seguro de la autenticidad del cuadro. Aunque reconozco que los datos, sobre todo la carta, son bastante positivos.

Y vosotros, ¿Qué opinais?

Álvaro Sánchez Lamadrid.

jueves, 5 de septiembre de 2013

LA MARILYN DE WARHOL

La entrada de hoy está dedicada a uno de los artistas más famosos de todo el arte contemporáneo, Andy Warhol. Máximo representante del movimiento artístico pop art, sus obras son de las más conocidas del siglo XX. Junto a artistas como Lichtenstein, Segal o Jasper Johns; revolucionó el panorama artístico americano de los años 50 en donde predominaba el arte expresionista americano de Pollock o De Kooning. 

Sin embargo, en esta entrada me dedicaré a revelarlos un pequeño detalle que se esconde tras una de sus obras más famosas, su "Marilyn" de 1962.

"Marilyn", Andy Warhol, 1962

Una de las principales características del arte pop es emplear imágenes tomadas de las sociedad de consumo (Latas de cerveza o de sopa) y de la comunicación de masas (personajes conocidos) y aplicarlos al arte. Esto explica otras obras de Warhol como "Elvis una vez", "Latas de Sopa Campbell" o la misma "Marilyn" de la que trata esta entrada.



Pero no sólo eso, Andy Warhol buscaba siempre la polémica y el morbo. En esta segunda característica podemos destacar una segunda vertiente cuestionable del artista, pues el famoso retrato de Marilyn es póstumo, es decir, hecho pocos días después de la muerte de la actriz. Su muerte fue un duro golpe a la sociedad estadounidense, pues fue uno de sus grandes símbolos y una de las mujeres más queridas. Cuando se especuló que pudo haber sido un suicidio, debido a la sobredosis de barbitúricos en su sangre, muchos americanos no se lo podían creer. Una mujer que había sido símbolo y un modelo a seguir para toda su generación, terminase sus días suicidándose.  Fue un momento triste que nadie se esperaba.

Andy Warhol inauguró en 1962 una exposición individual en Nueva York en la que incluyó obras tan conocidas como "Latas de sopa Campbell" o "Botellas de Coca-Cola". Pero lo que no gustó a la sociedad fue su obra "Marilyn" realizada con el recuerdo presente de la actriz y que muchos tomaron como un insulto a su memoria, pues lo que buscaba Warhol era desmitificar su figura transformandola en obra de arte seriada. Warhol decía que tenía más copias para vender, como si su obra fuera un póster y no algo único.

Esto es a la vez una de las características del pop art, la desmitificación de la obra de arte como objeto único. Pero la sociedad americana no lo entendió. 

Sin embargo, no sería la única vez que Warhol realizaría algo semejante. En su búsqueda de obras morbosas, también realizó series de hombres fallecidos en la silla eléctrica o retratos de Mao durante la época del "terror amarillo" en EEUU.

Silla eléctrica



Por ello a Warhol en algunas ocasiones se le llegó a acusar de no ser un verdadero artísta y de ir tras el morbo en determinados momentos delicados, algo que ocurre hoy en día de continuo en la prensa rosa. 
Espero que os haya gustado este aporte y que ahora sepais etsa vertiente desconocida del artista americano.

Álvaro Sánchez Lamadrid.