UN NUEVO VAN GOGH

¡Hola a todos! Este Lunes se ha producido uno de esos grandes momentos que marcan un hito en la historia del arte y es que el museo Van Gogh de Ámsterdam ha anunciado a bombo y platillo el descubrimiento de uno de los últimos lienzos pintados por el autor holandés Vincent Van Gogh. Por ello, aquí en El Desván de la Cultura os contaremos las claves de este decubrimiento.

"Puesta de Sol en Montmajour", Vincent Van Gogh, 1888

Para empezar hablemos un poco de la historia de este cuadro. En 1890 Van Gogh muere y la gran mayoría de sus obras pasan a manos de su hermano Theo. Esta pintura en concreto, figuraba dentro del catálogo de obras que tenía el año de la muerte de Van Gogh y también figura su venta a un personaje desconocido en 1901. 

En 1908 volvemos a tener noticias del cuadro ya que lo ha adquirido un importante empresario noruego, Christian Nicolai Mustad. Aconsejado por Jens Thiis, director de la Galería Nacional de Oslo hasta 1941, compró el lienzo atribuido a Vincent Van Gogh, quien durante esos años ya comenzaba a tener fama. Sin embargo, cuando pidió su opinión al embajador francés en Suecia, éste le dijo que era falso. Otros, en cambio, argumentan que el diplomático en cuestión era el cónsul noruego en París, Auguste Pellerin. Fuera como fuese, Mustad escondió el cuadro en su ático al ser un cuadro sin ningún valor.

A la muerte de éste en 1970, sus herederos encontraron el cuadro y pidieron a una serie de expertos que validaran el cuadro, entre ellos el mísmisimo Museo Van Gogh de Amsterdam, quién lo descartó como obra no legítima de Van Gogh, ya que no estaba firmada.

Con el desarrollo de nuevas técnicas, se ha demostrado que la pintura es auténtica. Para ello una investigación iniciada por el Museo Van Gogh y que ha durado dos años ha aceptado la pintura basándose en estos aspectos:

1. Se descubrió que se ha pintado en la misma gama de pinturas que aparecen en las obras de Van Gogh en ese período.

2. Las formas y el tratamiento de los árboles es similar al de todos los cuadros del autor.

3. La evidencia que confirma la autenticidad de la pintura era una carta escrita por Vincent van Gogh a su hermano Theo el 5 de julio 1888, que describe el cuadro que había pintado el día anterior:

 "Ayer, al atardecer, yo estaba en un brezal pedregoso donde crecen muy pequeños y retorcidos robles, en el fondo de una ruina en la colina, y campos de trigo en el valle. Era romántico, no podía ser más, a la Monticelli , el sol se derramaba sus rayos amarillos muy por encima de los arbustos y el suelo, absolutamente una lluvia de oro".

Con todas estas pruebas el Museo Van Gogh mostró al publico el pasado Lunes 9 de Septiembre esta obra. En palabras de su director, Alex Rüger, lo calificó como "un acontecimiento único en la historia del museo".

Personalmente comprendo porqué se mostraban tan excepticos los antiguos tasadores, pues el tratamiento del cielo y de la puesta del sol, no se parecen a nada de la obra de Van Gogh. Yo mismo haré una búsqueda y un análisis pues aún no estoy al 100 % seguro de la autenticidad del cuadro. Aunque reconozco que los datos, sobre todo la carta, son bastante positivos.

Y vosotros, ¿Qué opinais?

Álvaro Sánchez Lamadrid.

LA MARILYN DE WARHOL

La entrada de hoy está dedicada a uno de los artistas más famosos de todo el arte contemporáneo, Andy Warhol. Máximo representante del movimiento artístico pop art, sus obras son de las más conocidas del siglo XX. Junto a artistas como Lichtenstein, Segal o Jasper Johns; revolucionó el panorama artístico americano de los años 50 en donde predominaba el arte expresionista americano de Pollock o De Kooning. 

Sin embargo, en esta entrada me dedicaré a revelarlos un pequeño detalle que se esconde tras una de sus obras más famosas, su "Marilyn" de 1962.

"Marilyn", Andy Warhol, 1962

Una de las principales características del arte pop es emplear imágenes tomadas de las sociedad de consumo (Latas de cerveza o de sopa) y de la comunicación de masas (personajes conocidos) y aplicarlos al arte. Esto explica otras obras de Warhol como "Elvis una vez", "Latas de Sopa Campbell" o la misma "Marilyn" de la que trata esta entrada.

Pero no sólo eso, Andy Warhol buscaba siempre la polémica y el morbo. En esta segunda característica podemos destacar una segunda vertiente cuestionable del artista, pues el famoso retrato de Marilyn es póstumo, es decir, hecho pocos días después de la muerte de la actriz. Su muerte fue un duro golpe a la sociedad estadounidense, pues fue uno de sus grandes símbolos y una de las mujeres más queridas. Cuando se especuló que pudo haber sido un suicidio, debido a la sobredosis de barbitúricos en su sangre, muchos americanos no se lo podían creer. Una mujer que había sido símbolo y un modelo a seguir para toda su generación, terminase sus días suicidándose.  Fue un momento triste que nadie se esperaba.

Andy Warhol inauguró en 1962 una exposición individual en Nueva York en la que incluyó obras tan conocidas como "Latas de sopa Campbell" o "Botellas de Coca-Cola". Pero lo que no gustó a la sociedad fue su obra "Marilyn" realizada con el recuerdo presente de la actriz y que muchos tomaron como un insulto a su memoria, pues lo que buscaba Warhol era desmitificar su figura transformandola en obra de arte seriada. Warhol decía que tenía más copias para vender, como si su obra fuera un póster y no algo único.

Esto es a la vez una de las características del pop art, la desmitificación de la obra de arte como objeto único. Pero la sociedad americana no lo entendió. 

Sin embargo, no sería la única vez que Warhol realizaría algo semejante. En su búsqueda de obras morbosas, también realizó series de hombres fallecidos en la silla eléctrica o retratos de Mao durante la época del "terror amarillo" en EEUU.

Silla eléctrica

Por ello a Warhol en algunas ocasiones se le llegó a acusar de no ser un verdadero artísta y de ir tras el morbo en determinados momentos delicados, algo que ocurre hoy en día de continuo en la prensa rosa. 

Espero que os haya gustado este aporte y que ahora sepais etsa vertiente desconocida del artista americano.

Álvaro Sánchez Lamadrid.

EL PRECIO DEL ARTE

El mercado de arte es uno de los negocios que mueve mayor cantidad de dinero a nivel mundial. Dentro del marco ilegal es el tercer negocio más rentable, superado tan sólo por la droga y la prostitución. Sin embargo, legalmente cuenta con mucha popularidad dentro de las casas de subastas como Christie's o Sotheby's.

Siempre nos llama la atención caundo escuchamos en las noticias las enormes sumas de dinero que se pueden llegar a pagar por algún extraño ejemplar o por alguna excentricidad del artista de moda del momento. En esta entrada os daré una lista con las 10 obras de arte más caras vendidas hasta ahora. ¡Espero que os guste!

1."Los jugadores de cartas", de Cézanne. 250 millones de dólares. Venta privada. Esta pintura, una de las versiones de Cézanne, fue adquirida de forma privada por la esposa de un gran magnate de petróleo de Dubai

2. "El sueño", de Picasso. 155 millones de dólares. Venta privada. Esta obra fue comprada durante el mes de Marzo de 2013 posicionándose como la segunda obra más cara y la tercera pintura de Picasso dentro de este top 10.

3. "Number 5, 1948", de Pollock. 140 millones de dólares. Venta privada. Durante muchos años esta fue la pintura más cara de la historia y un referente en el mercado de arte. Sin embargo en la última década el mercado de arte se ha hecho más prolífico y han aparecido nuevos compradores procedentes de China o Arabia que han desbancado a uno de los reyes de las subastas de su primer puesto.

4. "Woman III", de De Kooning. 137,5 millones de dólares. Venta privada. El otro gran pintor expresionista abstracto también se encuentra en este ranking. Sus obras suelen ser muy cotizadas al igual que las de Pollock, siendo su serie de "Mujeres" una de las más rentables de todas las subastas.

5. "Adele Bloch-Bauer", de Klimt. 135 millones de dólares. Venta privada. Esta obra del autor de "El Beso" fue a partir de 2006 la segunda obra de arte más cara de la historia. De acuerdo con informes periodísticos, fue vendida en 135 millones de dólares a Ronald Lauder, propietario de la Neue Galerie en Nueva York. La obra fue realizada en Viena, encargada por el magnate Ferdinand Bloch-Bauer y representa a la mujer de éste.

 6. "El grito", de Munch. 120 millones de dólares. Vendido en subasta pública. Este es uno de los cuadros más famosos del mundo. Hace poco le dedicamos un especial, que podeis ver aquí, sobre cuántas veces se había robado. Pero además es el sexto cuadro más caro y el primero en ser vendido en subasta pública. Hay que aclarar que fue una de las 4 copias existentes y que fue comprada por via telefónica por un comprador anónimo en una subasta pública de la casa de subastas británica Sotheby's.

7. "Desnudo, hojas verdes y busto", de Picasso. 106,5 millones. Vendido en subasta pública. Esta es la segunda obra de Picasso dentro de este ranking y además la séptima más cara y la segunda en venderse en subasta pública. En cuanto Sotheby's publicó este mismo año que iba a sacar a concierto una de las versiones de "El Grito" todo el mundo supo que pocos días le quedaban en ser la obra más cara de una subasta pública. 

8. "El hombre que camina I", de Giacometti. 104,3 millones de dólares. Vendido en subasta. Esta famosa obra del artista suizo es la única escultura del ránking, pero se mantine en una digna octava posición.

9. "Muchacho con pipa", de Picasso. 104,1 millones de dólares. Vendido en subasta. Esta es la tercera obra del pintor malagueño dentro de este ránking y la cuarta más cara vendida en subasta pública. Vemos en esta obra una de las pinturas de la época joven del pintor cuando tenía unos 14 años.

 10. "8 Elvis", de Warhol. 100 millones de dólares. Venta privada. Finalmente nos enncontramos en esta lista una de las famosas serigrafías del autor estadounidense Andy Warhol. A lo largo de su vida repitió varias veces muchas de sus obras más famosas como "Marylyn" o "Lara de sopa Campbell"; reproducciones que a día de hoy son muy rentables en el mercado de arte.

 Espero que esta lista os haya gustado. Hay que destacar que hay muchas obras que no llegan a tales sumas de dinero pero que también estaría bien señalar. En futuras entradas os iré dando más obras.

Álvaro Sánchez Lamadrid.

EL GRITO MÁS ROBADO DEL MUNDO

¡Hola a todos! En esta nueva entrada me gustaría hablaros de uno de los cuadros más famosos del mundo y que más reproducciones ha tenido en el panorama cultural actual rivalizando unicamente con La Gioconda o Mona Lisa de Leonardo Da Vinci. Os hablo nada más y nada menos que de El Grito del pintor noruego Edvard Munch.

El grito (en noruego "Skrik") es en realidad el nombre que se atribuye a una serie de cuatro lienzos de 1893 enmarcados dentro de la primera gran corriente expresionista europea. En todos los cuadros se representa el mismo tema: una figura andrógina en primer plano sobre un puente que grita mirando al expectador. Se pueden decir muchas cosas acerca de esta obra ya que el autor nos transmite con ella un momento de profunda angustia que muchos autores relacionan con una etapa de desesperación existencial que vivió de forma continuada el autor a lo largo de toda su vida.

Sin embargo, en esta entrada os quiero hablar de otra cosa distinta y es que, además de ser uno de los cuadros más famosos e importantes del mundo, también ha sido uno de los más robados de toda la historia. Esto está relacionado con la gran cantidad de versiones que existen repartidas por Europa, siendo la más famosa la de la Galería Nacional de Oslo.

Tal vez el más famoso de todas fue el robo de la versión de El Grito de la Galería Nacional de Oslo, el 12 de Febrero de 1994. En esta ocasión los ladrones robaron el cuadro a plena luz del día y, cómo si se tratase de una película, dejaron en el hueco vacío donde estaba el cuadro una notaq ue decía: Gracias por la falta de seguridad. Al principio el gobierno pensó que se trataba de una protesta por parte de un grupo anti-arbortista activo en Noruega por esas fechas.

Sin embargo, tres meses después los ladrones se dirigieron al gobierno noruego solicitando, por la entrega del cuadro, un millón de dólares estadounidenses. El rechazó la oferta y poco después, -el 7 de mayo- el cuadro fue recuperado en una acción conjunta efectuada por la policía noruega en colaboración con Scotland Yard y el museo Getty. De esta manera podemos ver la gran importancia que ya tenía esta obra, pues para su recuperación colaboraron organismos europeos, en este caso londinense y americana, pues el museo Getty es un museo de arte de carácter privado en el estado de California.

Otro gran robo fue el que se produjo el el 22 de agosto de 2004 cuando la versión expuesta en el Museo Munch en Oslo fue robada a mano armada por tres hombres enmascarados. Los atracadores se llevaron además otra obra del mismo autor, La Madona. El museo esperó una petición de rescate pero ésta nunca llegó. Con miedo de que la obra nunca volviese, se ofreció una recompensa de 97 millones de euros para quien la lograse recuperar, intentando tentar a los propios atracadores de que la devolviesen por esta suma de dinero. Sin embargo, los años pasaban y el cuadro no volvía hasta que llegó un momento en el que el periódico sueco Svenska Dagbladet, anunció de que la tan esperada obra habia sido quemada  a fin de eliminar pruebas durante las redadas policiales. 

Sin embargo, los dos cuadros fueron recuperados el 31 de agosto de 2006 por la policía noruega, dos años después de su robo, y en relativo buen estado. Aunque no todo fueron buenas noticias, tras un análisis a conciencia por parte de los expertos del Museo Munch decretó que el daño inflingido en la obra era irreparable. Al tratarse de una versión en cartón, el deterioro, debido a la humedad en la zona baja de la pintura, causó una decoloración que impide que el cuadro pueda ser completamente restaurado a su perfección original. Si nos fijamos en la imagen de abajo veremos como la parte inferior está un poco difuminada a causa de la humedad.

Sin embargo la figura principal de la obra se pudo recuperar y actualmente se puede ver de en su lugar original del museo.

Aunque hubo más pequeños hurtos, estos fueron tal vez los dos más importantes y más interesantes. Es inevitable pensar que, tal vez, estos dos robos han reforzado la popularidad y el mito que engloba a este gran cuadro. Espero que os haya gustado y que a partir de ahora cuando lo veais, directa o indirectamente, lo veaís con otros ojos.

Álvaro Sánchez Lamadrid.

ARTE NATURAL

¡Buenas tardes chicos! ¿Que tal? Hoy os traigo una entrada sobre una artista que descubrí hace unos cuantos meses y cuya obra me pareció muy curiosa e interesante. En su biografía se define como una mujer con dos grandes pasiones: los caballos y dibujar. Su nombre es Heather Jansch y define su arte como "arte natural"

Habiendo estudiado Bellas Artes de joven en Walthamstow College, aprendió a dibujar objetos del natural centrándose sobre todo en los movimientos de los caballos. Sin embargo, al final de su primer año abandonó la carrera, pues tanto ella como sus profesores no veían claro su futuro como pintora. Según dice en la biografía de su página oficial, su sueño desde niña era vivir en una casa en el campo rodeada de naturaleza y animales. Así que decidió que su obra debía nutrirse de ese deseo y conseguir una obra original y única.

Por ello se decantó por el arte de la escultura, representando con maderas retorcidas animales como caballos, osos, cerdos, ciervos, etc. Os dejo unas imágenes para que vosotros mismos veais y valoreis su obra.

Si nos paramos a observar las esculturas, sobre todo las de los caballos, parecen bocetos y dibujos al aire que se han vuelto tridimensionales. Realmente un arte único y natural.

Os dejo en el enlace su página oficial, en dónde encontrareis más información y fotografías:
http://www.heatherjansch.com/

Espero que os haya gustado. ¡Un Saludo!

Álvaro Sánchez Lamadrid.